Um disco pop de 2007? Não ouvi muitos, confesso, e desses, poucos foram os que me bateram em cheio, que a coisa não dá para mais. Escolho The Sermon on Exposition Boulevard, de Rickie Lee Jones, o melhor que lhe ouvi em mais de 30 anos de carreira. Pop art underground com forma e improvisação, ao encontro do imaginário gospel judaico-cristão, que fala de redenção, dos milagres e das crucificações que acontecem todos os dias. E acontecem mesmo! Recordo as vezes que ouvi as 13 canções. Um click no repeat e a emoção a brotar da música e da voz da eterna menina que é Miss Jones, o lado feminino de Tom Waits, como também tem sido ouvida. O que não diminui ninguém, só acrescenta a ambos. E a quem os ouve.
Do quinteto austríaco CTRL, via Creative Sources Recordings, chega 25.11, uma proposta que tem tudo para cativar o ouvido exigente. Foi em 2005 que Gloria Damijan (piano), Bernd Klug (contrabaixo), Meike Melinz (flauta), Gabi Teufner (flauta) e Bernhard Schoeberl (guitarra), todos nascidos à volta de 1980, decidiram formar um grupo para improvisar regularmente, fluidificar processos criativos e apurar um som colectivo. A ideia de pesquisar soluções acústicas fora dos ambientes típicos dos encontros fortuitos entre músicos tem estado na base do trabalho do grupo. Sobre o CTRL, Burkhard Stangl, músico e autor das notas ao disco, escreveu que o grupo se propõe “questionar, pensar e atrever-se, de maneira neurótica, plasmática, subtil e consistente”. Neuroses e plasmatismos à parte, quanto ao mais o objectivo foi plenamente atingido, através da colocação em prática de um programa ambicioso de improvisação subtil, sem ser reducionista, rica em formas maleáveis, incessante exploradora de contrastes e aproximações tímbricas. O debate a cinco, que não sofre o mínimo atropelo ou hesitação, produz um som contemporâneo, abstracto e minimalista, caracterizado pela abundância de padrões pontilhistas assimétricos, somatório de pontos de luz e sombra em instável justaposição. A progressão, discreta e elegante, avança por pequenos passos em escala diminuta, de recorte e acabamento delicados. O som das flautas movimenta-se no espaço e paira no ar, inefável, como volutas de fumo por entre a trama das cordas de guitarra, piano e contrabaixo. Composição/decomposição, pormenor, breve instante colorido suave. Os cinco artistas sabem comunicar entre si e o projecto funciona. 25.11, bela e ousada combinação de impressões acústicas, foi gravado na mesma data, ao vivo no estúdio Amann, em Viena, Áustria.
Estreia do artista sonoro alemão Marcus Held (aka Porcelain in the Backpack), de Leipzig, Alemanha, com Sand and Loam (zym017), o seu primeiro EP na zymogen, netlabel italiana de fina escolha e critério apertado, goste-se mais ou menos. Herr Held labuta na área da música electrónica, com tempero acústico, de field recordings e de sons estranhos produzidos por não menos bizarros instrumentos, que depois levam uma passagem final com a varinha mágica do processamento electrónico. O resultado merece atenção.
Bishop - Rempis - McBride - Daisy
posted by eduardo chagas @ 27.11.07
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Acabou de sair na imparável Creative Sources e estou-lhe a dar a atenta e carinhosa audição que deveras merece: SKY SHIFTER, do irlandês Mark O’Leary, e do alemão Günter Müller, fundador da editora For 4 Ears. As gravações são de Cork (Irlanda) com pós-produção em Basileia (Suiça). Improvisação experimental de tons escuros, carregada de mistério, manufacturada com ferramentas electrónicas, ipod, guitarras, percussão e processamento electrónico em tempo real. Uma boa conversa pela noite dentro entre dois grandes mestres, que parecem sentir-se à vontade com a tomada de decisões sonoras em conjunto e em cada momento, intencionais e aleatórias. As improvisações electroacústicas não-estruturadas de SKY SHIFTER apresentam uma forte unidade temática, conjunto de referências e citações inspiradas em ambientes urbanos artificialmente iluminados, espécie de banda sonora para passeios nocturnos por ruas desertas à hora em que a noite é quase dia.
Beside the Cage é uma formação com dois trombones, duas baterias e guitarra eléctrica. Susceptível de pôr meio mundo a salivar por potência e estrondo, e outro meio a fugir a sete pés? Duplo engano, seja como for. Porque o programa do quinteto alemão de Oliver Demand e Moritz von Woellwarth (trombones), Rolf Kleinemas e Thomas Winger (baterias) e Sascha Demand (guitarra), expresso na peça única intitulada 10 Years of Beside the Cage Music, é outro e não tem nada a ver com histrionismos ou volume elevado. Pelo contrário, o trabalho de Beside the Cage afirma-se de um modo plácido e tranquilo, algures entre o falar mavioso de uma língua alienígena desconhecida e essa tipologia de comunicação franca que é a música improvisada. É evidente o extremo cuidado colocado no tratamento do som e na formação de estruturas celulares, como microrganismos imateriais que se instalam e sofrem mutações vagarosas na sua progressão. Os espaços vão sendo preenchidos de maneira discreta e não intrusiva, com um módico de acção, fora as ocasionais mas contidas erupções. Por vezes, há um prenúncio de “rock” na percussão e na interpenetração com a guitarra, para logo recuperar a subtil e envolvente microtonalidade. Em 10 Years of Beside the Cage Music, a percussão das duas baterias contribui de modo particular para a qualidade orgânica essencial, balanceia o som etéreo dos trombones com os efeitos mais presentes e definidos da guitarra eléctrica, nas variantes e-guitar e e-table-guitar, com desenhos de muito bom gosto. Trabalho solidamente maturado, ainda que a forma mal se pressinta no decurso das múltiplas combinações e recombinações nascidas em directo, e onde a definição formal é substituída por estados de semiconsciência, que tanto apresentam sinais vitais mínimos, como logo a seguir recuperam forças e mostram vontade de rumar a novas paragens. A música de Beside the Cage, ao investigar na fronteira das áreas da electroacústica experimental e da livre-improvisação, procura saídas e rompe em campo aberto, para se distender lânguida e sem pressa de chegar. Mas chega. Gravação de Novembro de 2005, realizada em Hochschule fur Gestaltung (HfG), ZKM Karlsruhe, Alemanha, e editada pela portuguesa Creative Sources Recordings.posted by eduardo chagas @ 26.11.07
LA MONTAÑA RUSA ..... Airto Moreira & The Gods of Jazz, Ahmad Jamal, Agusti Fernández, Barry Guy & Ramón López, Winton Marsalis & The Lincoln Centre Jazz Orchestra.
![[indo_jazz1.jpg]](https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwsFocJHLf0glxF4hs9WSx_Fxu78egTaUnvtom7bsmBCxInDhWyGVvaj9tuGmpwPr9JraFH1bQOv5xFAFIz15_GrkUY1UBUttrT_LOiK5zduztfnwOsG3ajTia79-ibdS16ckj/s1600/indo_jazz1.jpg)
Outro disco (com certeza não ficarão por aqui) do trio de Jarrett, Peacock e DeJohnette, o Standards Trio, que, perco-me nas contas, devem andar nisto juntos há para aí um quarto de século, mais coisa menos coisa. O que é bom e é mau. Bom, porque um trio como este sabe da poda e toca como poucos no activo; mau, porque, salvo se se for um iniciado ao Standars Trio, não se ouve nada que não se tenha escutado já tantas vezes em tantos discos. Já se sabe sempre o que lá vai dentro. Um valor seguro, portanto, imune ao risco e não sujeito a flutuações de mercado como o Dow Jones. Mais que isso, pelos padrões em voga, este é "o trio", aquele de maior sucesso artístico e económico. Para se ter uma ideia, ao mesmo tempo que edita estas gravações de 2001, a ECM está a lançar um CD triplo com gravações do ano de 1983... e aí vão cinco coelhos com duas cajadadas! Desta feita a dose é dupla, para animar a malta. E põe em relevo aquele que é o porventura o maior atractivo de My Foolish Heart - Live at Monteux – a coesão e a empatia do trio no tratamento de um reportório de composições originais de Miles Davis, Sonny Rollins ou Thelonious Monk, de clássicos do American Song Book, e de standards de diferentes épocas – Four, My Foolish Heart, Oleo, What’s New?, The Song Is You, Ain’t Misbehavin’, Honeysuckle Rose, You Took Advantage of Me, Straight No Chaser, Five Brothers, Guess I’ll Hang My Tears Out to Dry, Green Dolphin Street, Only the Lonely – que nas mãos de Jarrett, Peacock e DeJohnette adquirem renovado interesse. Para uns, um disco a não perder; para outros, mais um a juntar à vasta discografia do grupo. Pela certa, o disco de Natal de muitos jazz-lares por esse mundo fora. Até a cor da capa ajuda, oh-oh-oh. Em Portugal a distribuição é da Dargil.
![[one.jpg]](https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhc2KnKv_4nVD5Fx-E6E9POM533hfLK2jLwF2lwN6fmvTY-f2YcIPlVSNeY9f01ibrMYBL_im-VhEXpV3TFzVcMYrOT2QTwb22yvfy-aMI4doIYbwUuNAItE0dAQVVx6evyF31AtQ/s1600/one.jpg)
No O Zurret d'Artal, irmão mais novo do Jazz e Arredores, Jesús Moreno disponibiliza para descarga gratuita o recital do pianista norte-americano Matthew Shipp (a melhor síntese possível de Cecil Taylor, Mal Waldron e McCoy Tyner, com um ouvido na cultura DJ, como já foi dito e eu subscrevo) em Barcelona, realizado há dias (Casal del Metge, 15.11.2007), na apresentação espanhola de ONE, disco editado em 2006 na Blue Series da Thirsty Ear.
APERION – night in krakow [insubordinations]
Marzena Lis: piano – Rafal Mazur: baixo acústico
Apeiron is a duo of contemporary improvised music – grand piano and acoustic bass guitar – founded in Krakow by Marzena Lis and Rafal Mazur. They are working together since 2005 playing improvised music and realizing graphic scores. Apeiron is e self-reliant duo but members are really interested in cooperation with other artists. They worked with Gilad Roth – saxophone, Rafal Drewniany – electronics, Tomek Choloniewski – drums and with Misha Feigin (concert at “Meeting of Improvisers” – Krakow 2007) - guitar. Apeiron working in “trans-idiomatic” aesthetic, it means that on the ground every available kinds of aesthetic artists create new configurations and new shapes and figures of sounds.
Chegou há dias a nova Cadence Magazine - The Independente Journal of Creative Improvised Music, que desde há 32 anos se publica em Redwood, Nova Iorque. O estreante formato de livro (a sério) veio substituir o caderno com a fronha e figurino originários, que já cansavam um bocado. A cara já não é a da imagem (# Abril/2003, o único que encontrei na net) e, em vez de mensal, como vinha a ser desde 1976, passou a trimestral, por razões que se compreendem, ligadas à contenção de custos. Na direcção, Bob Rusch, editor, cronista da creative improvised music, crítico, olheiro, produtor e editor discográfico. Folheando, salta à vista que deixou de existir a secção central com o catálogo completo da distribuição de CDs e LPs pela Cadence, o que libertou espaço para texto editorial. Além de o grafismo ter levado uma volta considerável, o conteúdo continua a merecer a mesma atenção de sempre. Acabei de renovar a minha subscrição deste vício que, cá em casa, já leva mais de uma década. Passa a custar USD$15 (256 páginas) em vez dos 4 de cada mês. Na capa do primeiro número da nova era, o saxofonista tenor Salim Washington, um dos entrevistados desta edição, a par do pianista Hal Galper.
A comunidade de músicos de Oakland tem estado muito activa nos últimos anos. O caso da Moe!Kestra!, dirigida por Moe! Staiano, antigo baterista do Sleepytime Gorilla Museum, é bem o paradigma da efervescência que se vive naquelas paragens californianas. De reportório variado, a orquestra, com 10 anos de actividade, trabalha habitualmente peças do lider, mas já improvisou sobre composições de Glenn Branca, Rhys Chatham e John Zorn.
, foi executada por um ensemble de 9 membros, composto por Myles Boisen, Lucio Menegon, Vicky Grossi, Allen Whitman, Jeff Hobbs, Marika Hughes, Devon Hoff, Ches Smith e Carla Kihlstedt. Para a segunda peça, Conducted Improvisation Piece No.11: Two Orchestras in Separate Rooms (40'33), gravada na mesma ocasião, no extinto Box Theater, de Oakland, em Maio de 2003, foi convocada uma formação alargada da Moekestra!, com 31 elementos de um grupo que habitualmente varia entre os 25 e os 40. Nesta pièce de résistance, os músicos – a lista completa inclui o who's who da região, Alan Anzalone, Michael Perlmutter, Rent Romus, Aaron Bennett, Chris Broderick, Scott Rosenberg, David Slusser, Darren Johnston, Jennifer Baker, Jeff Hobbs, John Shuirba, Robin Reynolds, Theresa Wong, Christopher Brown, George Cremaschi, Lisa Mezzacappa, Lucio Menegon, Pat Moran, Daryl Shawn, Robin H. Walsh, Bill Wolter, Vicky Grossi, David Mairs, Allen Whitman, Michael Guarino, Jason Levis, Sam Ospovat Cymbal, Peter Valsamis, Suki O'Kane, David Leikam, Bob Marsh, Matt Davignon – foram divididos em duas secções, dispostos em salas diferentes, ligadas por um corredor, cabendo a Moe! andar de um lado p
ara o outro a conduzir as duas componentes em simultâneo. O que se ouve na panorâmica é a junção das duas metades. Ambos os concertos fizeram parte de um festival que pretendeu chamar a atenção para os problemas relacionados com a utilização pelos EUA de urânio empobrecido nas guerras do Iraque e Afeganistão. Musicalmente, o trabalho da Staiano's Moe! - MOE!KESTRA! é uma experiência bem sucedida no modo como organiza e disciplina caos e dissonância, e na maneira como consegue prender a atenção do ouvinte de fio a pavio.
glasgowimprovisersorchestra-at-googlemail-dot-com
GIO + Axel Dörner
Berlin: Die Symphonie der Großstadt (1927), by Walter Ruttmann.
21st November - CCA Glasgow Supported by the Goethe Institute Glasgow
Aporias, título recente de um quinteto de improvisação livre formado em Glasgow, Escócia, que inclui o percussionista japonês residente em Nova Iorque, fundador da editora H&H, Tatsuya Nakatani, e os membros da Glasgow Improvisers Orchestra, director Raymond MacDonald (saxofones alto e soprano), Peter Nicholson (violoncelo), Nick Fells (laptop e samplers), e Neil Davidson (guitarra eléctrica), que já editou Grain, disco de guitarra acústica solo, na Creative Sources Recordings. Nas cinco peças de Aporias (68') há traços de escola Inglesa de improvisação livre, do marulhar e da constente tensão milimétrica que John Stevens instilava na música do Spontaneous Music Ensemble, com ocasionais picos de febre. Ao olhar que percorre o passado recente, como revisitação da memória que codificou gestos, sinais e referências de uma prática com determinada demarcação temporal, o grupo aporta elementos da sua própria pesquisa, individual e colectivamente assumida, patente na numa particular organização tímbrica e espacial que é, na sua unidade e diversidade, tributária da escrita ocidental, de alguns aspectos do minimalismo de 70, da arte sonora electrónica actual e de alguns aspectos meditativos ligados à tradição japonesa. Para pôr em prática este programa de acção, o grupo trabalha sobre aquela plataforma estética, reconhecível e deveras importante na improvisação europeia em geral e britânica em particular, mas não se deixa ficar pela actualização dos procedimentos que Stevens, Bailey, Watts, Parker e companhia inventaram em meados de 60 – os quais autonomizaram a improvisação, até então uma característica, entre outras, do jazz norte-americano – ou dos AMM, de John Tilbury e Eddie Prévost (desde 2005, um duo), que, partindo de idênticos pressupostos, apontaram noutras direcções. O quinteto de Aporias optou antes por, tomando aquelas referências como ponto de partida e motivo de inspiração, transformar modos, trabalhar sobre novos desenvolvimentos estéticos e recentrar o paradigma musical nos aspectos eminentemente colectivos da criação espontânea. É assim que a uma intensa actividade sonora por unidade de tempo, permeada de breves intervalos de silêncio, o quinteto adiciona um tipo de construção gramatical complexa, de tecitura apertada, meios pelos quais logra a convergência entre o fino rendilhado obtido através das mais diversas técnicas experimentais, ortodoxas e heterodoxas, aplicadas aos instrumentos, a simplicidade formal da organização e um assinalável sentido narrativo, prática musical conscientemente assumida como uma forma apurada (e depurada) de composição instantânea. A música, sendo de fácil acesso e descoberta, exige um ouvido atento e interessado neste tipo de poética de síntese entre o "clássico" e os avanços estéticos da chamada nova música improvisada. Edição da CS.posted by eduardo chagas @ 21.11.07
Käärmeenkääntopiiri – isso mesmo – disco de colaboração entre os experimentalistas Uton (nome artístico do finlandês Jani Hirvonen) e Valerio Cosi, um puto italiano de 22 anos, já nosso conhecido das colaborações com a magnífica Vanessa ‘Niwi’ Rossetto, no duo Pulga, e com Brad Rose, da foxy digitalis, Wilson Lee ou Enzo Franchini. Uton (guitarra, violino, ruídos e percussão) e Cosi (saxofone – cita a este respeito, entre outras, influências de Coleman, Coltrane, Ayler, Zorn, Brötzmann, Sanders, Dolphy e Henderson – electrónica, sintetizador, field recordings e percussão), originários das cidades de Tampere (Finlândia) e Taranto (Itália), chegam a uma muito curiosa mistura neo-psicadélica de free jazz, electroacústica, drones, ragas e ambientalismo electrónico extravagante, susceptível de convencer quanto aos meios e propósitos. Ao longo das quatro instalações sonoras do disco, feitas a partir de colagens e sobreposições hipnóticas, o duo persegue e encontra o equilíbrio sonoro entre melodia e ruído, abismos tenebrosos e superfícies cristalinas. É fascinante o espírito exploratório que a dupla põe em movimento. Käärmeenkääntopiiri foi gravado entre Julho e Agosto de 2006. O lançamento público pela Fire Museum Records tem data anunciada para 26 de Novembro próximo.
Outra novidade, QUARTET, esta na Rastascan. A editora de Gino Robair, que se prepara para lançar Nine Compositions (DVD) 2003, de Anthony Braxton, e I, Norton - An Opera in Real Time, do próprio Robair, mantém a bitola elevada, não faz concessões e, como tal, tem vindo a apurar o sentido estético nos mais de 20 anos que leva de actividade. Jon Raskin (ROVA Saxophone Quartet) teve a ideia de formar este quarteto para pôr em prática uma série de composições gráficas que foi idealizando nos últimos anos, inspiradas no desenho de folhas de árvores e noutra matéria vegetal recolhida nos passeios que deu pelos parques de Oakland, Califórnia. Aos músicos – o próprio Jon Raskin (saxofones), Liz Allbee (trompete e percussão), George Cremaschi (baixo e electrónica) e Gino Robair (sintetizador e bateria) – deu tempo e espaço para preencherem a panorâmica com o que bem entendessem. Artes plásticas para músicos. E ouvintes. QUARTET foi gravado em 2005 por Myles Boisen @ Headless Buddha, Oakland.
Thomas Buckner, George Marsh, Pauline Oliveros, David Wessel, Jennifer Wilsey
Charles Mingus - contrabaixo
Eric Dolphy - saxofone alto, flauta, clarinete baixo
Clifford Jordan - saxofone tenor
Johnny Coles - trompete
Jaki Byard - piano
Dannie Richmond - bateria
Charles Mingus Sextet - Live in Norway, 1964 Part 2
Charles Mingus Sextet - Live in Norway, 1964 Part 3
Charles Mingus Sextet - Live in Norway, 1964 Part 4
Charles Mingus Sextet - Live in Norway, 1964 Part 5
Charles Mingus Sextet - Live in Norway, 1964 Part 6
Charles Mingus Sextet - Live in Norway, 1964 Part 7
482 Music releases the work of jazz, world and and improv artists who create what often resists assignment to a specific style, music that blends or bends conventional categorizations. Our goal is to seek out and release music that is rooted in the interplay of composition and improvisation, and that finds enjoyment in the exploration of new approaches to traditional genres. You will find many of the best-known improvising musicians from around the world here, some working in one-off groups that do not exist before or after these recordings, making the quality of the performances that much more remarkable. And, we hope, you will find something a little unexpected in everything we present.
JEFF GBUREK - murmurs, then, grains of drought, ore sought in the seeker's hand 01 . murmurs, then, grains of drought
02 . ore sought in the seeker's hand
CNV 44
posted by eduardo chagas @ 15.11.07
Os créditos são dos mais elevados, como se sabe. A fama vem de longe, sucessivamente revista e aumentada pelo olhar que sobre ele foram deitando luminárias como Miles Davis, que mandava os pianistas dos seus primeiros grupos tocar como ele toca. A música de Miles, ela própria, deve muito às concepções de Ahmad Jamal. Se se atentar, por exemplo, na forma de tratar o espaço e o silêncio, no cromatismo e no tipo de progressão harmónica num e noutro caso, descobrem-se inúmeras afinidades entre eles. E ontem à noite (13 de Novembro), diante dos olhos e dos ouvidos do público presente no Grande Auditório do Centro Cultural de Belém, que enchia por completo a sala, percebeu-se porque é que Jamal tem sido motivo de inspiração para tanta gente, de há cinco décadas para cá. A verdade é que mestre Ahmad Jamal, 77 anos, tecnicista com alma, pianista de pianistas, deu um grande concerto com o seu quarteto maravilha. Assim foi, por todo um amplo conjunto de razões: tratamento do piano com extrema elegância, força percussiva e agilidade harmónica; variação dinâmica e verve lírica; mão esquerda poderosa, a gerir ritmo e harmonia, mão direita inefável e arrebatadora.
Belos arranjos orquestrais para novas e antigas composições, suas e de outros mestres, desfilaram ante um CCB rendido à beleza e à simplicidade de uma arte maior, jazz moderno de suave fragrância afro-latina. Aberto o set com Paris After Dark, seguiu-se Papillon e durante quase hora e meia assistiu-se ao desfile de temas enraizados na tradição, numa abordagem mais virada para o futuro, que para a repetição de fórmulas passadistas. E assistiu-se ao momento sublime da transfiguração de Salt Peanuts, de Dizzy GiIlespie, de Poinciana, do próprio Ahmad Jamal, e de muitas mais, executadas no inconfundível estilo policromo que é seu, que casa bem as virtudes do clássico com as do moderno e ainda se atreve a pisar o risco na exploração de novos territórios.
A resposta da secção rítmica foi sempre de nível superior, compondo um trio de piano (+1) de sentido dramático e narrativo fora do comum. James Cammack, contrabaixo, e o lendário Idris Muhammad, bateria, a que se somou a cor da percussão sensível e inteligente do porto-riquenho Manolo Badrena, ex-Weather Report e ex-Joe Zawinul Syndicate, elaboraram uma teia rítmica complexa e multidimensional, que elevou o quarteto às alturas. Uma experiência fantástica, ouvir Ahmad Jamal em quarteto e ao vivo. Justíssima, a enorme ovação final. Quem perdeu em Lisboa vá vê-lo ao Guimarães Jazz, dia 16 de Novembro. Dará o tempo (e o dinheiro) por bem empregues.
Três discos mais tarde, dois em duo com o baterista Rick Rivera (I’ll Meet You Halfway Out In the Middle of It All e Everything’s Going Everywhere, ambos na Edgetone Records) e outro a solo (Solo Piano, na Pax Recordings), o que Thollem McDonas, pianista da Bay Area de S. Francisco, nos oferece em Racing the Sun / Chasing the Sun, é um conjunto de 11 peças para piano solo retiradas de duas metades de concerto. A primeira, de uma apresentação em Forli, Itália, em Dezembro de 2005; a segunda, de um concerto em S. Francisco, em Março de 2006. Anote-se o posicionamento do pianista num estilo sem fronteiras definidas, que atravessa géneros e estilos, dentro do jazz e de Rachmaninoff a Bartók, cuja síntese complexa se poderia situar algures nos desenvolvimentos ocorridos num tempo e num modo posterior às invenções de Cecil Taylor. Thollem é um virtuoso do piano, um talento nato. Em parte, educado (começou a estudar piano aos 5 anos com a mãe), noutra parte espontâneo, de originalidade e capacidade inventiva rara nas áreas do jazz e da improvisação. Pondo de lado a forma das várias escolas do piano com aquelas referências, Thollem assume por inteiro o seu lado mais iconoclasta, irreverente e exuberante no uso da cor. Na Europa, talvez um Joachim Kühn mais eruptivo possa dar uma ideia do universo a que pertence o pianista da Costa Oeste dos EUA. De execução rápida e precisa, com total independência de mãos e extraordinário sentido rítmico e brilho harmónico mesmo em alta velocidade, servido por uma imaginação delirante, que convida o ouvinte a excursionar-se pelos labirintos da sua arte do piano. Arte que o próprio pianista e compositor define como post-classical circus punk world jazz free music – for people and everyone else, um contributo mais para o refrescamento da gramática e do vocabulário do piano. Poucos pianistas em exercício poderão hoje ser referenciados, separada ou simultaneamente, nos livros de jazz, livre-improvisação ou composição contemporânea. Thollem McDonas é um deles. Racing the Sun / Chasing the Sun foi editado em CD pela Creative Sources Recordings.
Interessante, o disco deste grupo liderado pelo baterista português João Lencastre, de recente edição pela catalã Fresh Sound New Talent. Fresco de uma ponta a outra, One! parece-me um disco leve e despretensioso, uma boa hora de jazz, que vai debicando daqui e dali sem se preocupar nada com definição estilística ou com filiação na escola A ou B. Nessa medida, é um disco actual, moderno na forma como soa, tanto na releitura de um trio de clássicos (Lonely Woman, de Ornette Coleman, leva um banho harmónico novo; Byrdlike, de Freddie Hubbard, fia bop fino; e Summertime...), como em improvisações colectivas (o caso dos temas intitulados Communion I, II e III), com solos bem sacados do trompetista Phil Grenadier, do guitarrista André Matos, de Demian Cabaud, no contrabaixo, e de um nome importante do moderno piano no jazz, o norte-americano Bill Carrothers, o homem do leme, que aqui assume a riqueza da invenção harmónica por sua conta e risco. Entre peças gravadas ao vivo no Hot Clube de Portugal e outras em estúdio, há aqui um lado espontâneo no assumir do encontro sem preparação de maior, que deixa algumas arestas por limar. Do meu ponto de vista, só acrescenta ao disco. Confesso que quando vi Summertime no alinhamento temi pela charopada mais que provável. Sem fundamento, afinal, porque o grupo soube evitar a linha pronunciada da melodia original e dar-lhe uma confecção curiosa, sem desmanchar totalmente a composição deGerschwin. João Lencastre catalizou os cinco num quinteto (nem sempre as duas realidades se equivalem, mas aqui assim acontece em pleno), toca bateria com contenção e delicadeza, marca o tempo, acentua o que precisa de ser sublinhado, e sabe ser discreto quando deve, numa louvável atitude de sensibilidade e inteligência. Nisso, revela bom ouvido e abertura de espírito. Gostei deste primeiro (!) trabalho de João Lencastre, que, tendo arriscado, petiscou.
posted by eduardo chagas @ 12.11.07
Christian Wolff - Lines For String Quartet / Accompaniments For Piano
A - Lines (22:45)
violoncelo - Judiyaba; viola - Nancy Ellis; violinos - Nathan Rubin, Thomas Halpin
B - Accompaniments (21:10)
piano - Frederic Rzewski
13 de Novembro, no Centro Cultural de Belém (CCB) ----- AHMAD JAMAL
Ahmad Jamal (piano), com James Cammack (contrabaixo), Idris Muhammad (bateria) e Manolo Badrena (percussão).
Ahmad Jamal nasceu em Pittsburgh em 1930. O seu estilo começou a ser notado logo após a formação do seu primeiro trio, em 1951, muito em particular devido ao grande sucesso alcançado com os arranjos da canção popular "Billy Boy". A partir de 1956, Ahmad Jamal decide-se pelo trio de piano, contrabaixo e bateria (introduzindo a bateria em vez da guitarra). Miles Davis apaixona-se de imediato não só pela música, como pela forma como ele trata o piano, contribuindo para a ainda maior credibilidade do pianista. Herdeiro da tradição pianística criada por Nat King Cole, Ahmad Jamal soube desenvolver um estilo muito peculiar: da riqueza harmónica da mão esquerda a servir de base, à excelente improvisação da mão direita, tendo sempre presente a subtil utilização do espaço e do silêncio, Ahmad Jamal é hoje considerado um dos pianistas históricos do jazz moderno. - CCB (Foto: Samy Snider)
eur Rent Romus, cujo infatigável trabalho louvo a cada passo. COMA – Ornamental Urban Shrubbery, e Eddie the Rat – Insomnia Sound Bible, é deles que se trata. COMA é a sigla de California Outside Music Associates, e Eddie the Rat é o pseudónimo do compositor e multi-instrumentista Peter Martin, também ele da Costa Oeste dos EUA. Ouvi primeiro a Shrubbery do COMA, segundo disco desta associação sob a forma de trio, com John Vaughn (saxofones, percussão e theremin), Zone (violoncelo, baixo eléctrico e percussão) e Dax Compise (percussão). Sem grandes novidades no cardápio, mesmo assim o COMA diz ao que vem, confecciona com esmero e o resultado deixa impressão duradoura. Ouve-se bem e com gosto, mesmo quando num tema ou noutro o trio parece querer enveredar por um somatório de lugares comuns próprios de alguma música improvisada. Porém, parecem sentir a escorregadela e não chegam a estatelar-se ao comprido como cheguei a temer a certa altura. No final, fica-se com a sensação de que tem potencial para interessar. A rapaziada parece simpática e interessada no que faz. Resolvidos um ou outro equívoco e hesitação, para a próxima será seguramente melhor.
á amplamente para o gasto. Até sobra. Porque nem só de energia rock/folk e boa vontade experimental pode viver um projecto sólido e consistente numa área musical muito batida como é esta, sobretudo nos últimos tempos, em que os artistas folk pareciam ser mais que os pombos no Rossio. Sente-se que o projecto caminha para lá, mas ainda lhe falta um danoninho assim em matéria de concisão. Há criatividade, ideias, fantasia, mas falta saber gerir aquilo tudo sem recurso à colagem e à sobreposição excessivas. Menos pode ser (tantas vezes é) mais. Mesmo assim, Peter Martin e a sua banda alargada – anda por aqui muita gente a ajudar à festa, na página da Edgetone contei 30 e tantos músicos, muita doideira, vozes naturais e em falsete (o melhor do disco), coros, trompete, clarinete, violino, piano, guitarra, outras cordas, percussão, instrumentos de manufactura caseira, sons pequeninos, sons maiores, sons do outro mundo, o diabo a sete – Martin, dizia, sabe contar histórias através de música e o disco chega a ter momentos de altíssimo nível. Se fosse na onda de dar estrelas, coisa que sempre detestei fazer, só por obrigação, este seria um daqueles em que se acenderiam três luzinhas e meia, com a outras uma e meia fundidas. Por causa do granel e da excessiva duração da empreitada (74'), que cansa um bocado, tanta é a informação por segundo. Metade ou pouco mais chegava bem para as encomendas. Só por isso levam no toutiço.
