28.9.04
Jazz no Café Luso
5ª Feira, dia 30 Setembro - 23.30 h
(entrada livre)
Eduardo Raon - harpa
Rui Horta Santos - saxofone tenor, clarinete e aquafone
Duo de música improvisada
Diz o texto promocional que «Eduardo Raon e Rui Horta Santos têm-se dedicado a variados tipos de projectos musicais nos quais se incluem o jazz, a musica erudita, assim como a musica pop e o rock. Neste recente projecto o duo pretende explorar um insólita combinação instrumental como veículo para a improvisação espontânea».
Travessa da Queimada, 14
Bairro Alto - Lisboa
posted by eduardo chagas @ 28.9.04
(entrada livre)
Eduardo Raon - harpa
Rui Horta Santos - saxofone tenor, clarinete e aquafone
Duo de música improvisada
Diz o texto promocional que «Eduardo Raon e Rui Horta Santos têm-se dedicado a variados tipos de projectos musicais nos quais se incluem o jazz, a musica erudita, assim como a musica pop e o rock. Neste recente projecto o duo pretende explorar um insólita combinação instrumental como veículo para a improvisação espontânea».
Travessa da Queimada, 14
Bairro Alto - Lisboa
posted by eduardo chagas @ 28.9.04
26.9.04
«Version Soul», SPACEWAYS INC
«Version Soul», do SPACEWAYS INC. (Ken Vandermark, Nate McBride e Hamid Drake). Fazia tempo que não visitava estas excitantes paragens. Soul, funk, reggae, dub, motown - um groove tal que deixa o ouvinte a bater o pézinho durante os 68 minutos que dura o álbum, com o mais excitante jazz a envolver o bouquet.
Mais consistente e maduro que o anterior «Thirteen Cosmic Standards...», que bebia nas fontes de Sun Ra e Funkadelic, «Version Soul» é todo ele feito de composições originais de Vandermark e de Nate Mc Bride. Ritmos e sopradelas intensas, numa das melhores, entre as muitas, maneiras em que Vandermak and the boys se servem. Jazz soul moderno, talvez seja a expressão que melhor sintetize o que aqui se passa. Imprescindível.
posted by eduardo chagas
@ 26.9.04
John Stevens
John Stevens - bateria, percussão
(10 de Junho de 1940 - 13 de Setembro de 1994)
posted by eduardo chagas @ 26.9.04
John Stevens - bateria, percussão
(10 de Junho de 1940 - 13 de Setembro de 1994)
posted by eduardo chagas @ 26.9.04
25.9.04
Enciclopédia sobre Free Jazz e Improv
Há uma nova enciclopédia sobre Free Jazz e Improv no mercado. Título e autor: «Free Jazz and Free Improvisation: An Encyclopedia», Todd S. Jenkins. Jenkins deve saber do que escreve, pois é desde longa data colaborador da Down Beat, Route 66, e da Signal to Noise, além de ser membro do American Jazz Symposium, uma ssociação sem fins lucrativos virada para o «jézze». A enciclopédia foi editada este mês pela Greenwood Press, em dois volumes, 610 páginas, e estará à venda na Amazon a partir de 30 de Setembro por £100, ou seja, € 147.212.
posted by eduardo chagas
@ 25.9.04
19.9.04
Globalização
Gravado ao vivo em 19 de Janeiro de 2002, em Aachen, Alemanha.
posted by eduardo chagas
@ 19.9.04
Trinta e seis anos medeiam entre a primeira aventura discográfica da Globe Unity Orchestra, uma big band de música livremente improvisada, dirigida por Alexander von Schlippenbach, e a mais recente, Globe Unity Orchestra 2002, editada pela suiça Intakt, em 2003.
Muita coisa mudou entretanto, quer ao nível dos processos criativos, quer do enquadramento sócio‑político que marcou o espaço entre as duas edições. De 1966 a 1986, altura em que, simultaneamente se comemoram os 20 anos desta instituição da Free Music, e os 20 anos de existência da editora alemã FMP, de que Schlippenbach é co-fundador, a Orquestra trabalhou regularmente sem percalços de maior. A partir de 1986 sobreveio um longo hiato até à tão aguardada reunião em 2002, para um concerto ao vivo na Alemanha.
Comparando episódios, nota-se que a Globe Unity de hoje é mais controlada; ossos da veterania dos seus membros reincidentes, Manfred Schoof, Peter Brötzmann, Paul Rutherford, Evan Parker e Paul Lovens, aos quais se somam os estreantes – no que à GUO diz respeito, bem entendido – Ernst-Ludwig Petrowsky, Johannes Bauer e Paul Lytton.
Fiel à estratégia de sempre, Schlippenbach não fornece qualquer base escrita, regras ou sinalética específica para a criação musical. Tudo se passa segundo a velha regra da livre-improvisação Europeia, em que os músicos reagem colectiva e individualmente aos estímulos que se vão sucedendo no tempo e no espaço.
Simples acordes de piano iniciais são o mote para tudo o que de muito relevante se passa durante 74 minutos, com Schlippenbach a manter o controlo sobre as operações, mesmo quando Brötzmann ameaça fazer o comboio saltar dos carris. Uma jornada de cortar a respiração, deslumbrante, mas tão intensa e cansativa que deve ser fruída por partes e em audições repetidas, para se poder apreender a riqueza do pormenor. Radical como sempre foi, a Globe Unity Orchestra continua a soprar um vento abrasador.
Alexander von Schlippenbach, Piano
Manfred Schoof, trompete, fliscórnio
Peter Brötzmann, sax tenor, tarogato
Evan Parker, saxes soprano e tenor
Ernst-Ludwig Petrowsky, sax alto
Paul Rutherford, trombone
Johannes Bauer, trombone
Paul Lovens, bateria
Paul Lytton, bateria
Alexander von Schlippenbach, Piano
Manfred Schoof, trompete, fliscórnio
Peter Brötzmann, sax tenor, tarogato
Evan Parker, saxes soprano e tenor
Ernst-Ludwig Petrowsky, sax alto
Paul Rutherford, trombone
Johannes Bauer, trombone
Paul Lovens, bateria
Paul Lytton, bateria
Gravado ao vivo em 19 de Janeiro de 2002, em Aachen, Alemanha.
Festival de Jazz da Alta Estremadura 2004
Leiria - Sexta, 24 de Setembro. 22h.- Mercado de Sant’Ana – Centro Cultural
Maria João / Mário Laginha (Port) Maria João (voz) Mário Laginha (piano)
posted by eduardo chagas @ 19.9.04
Festival de Jazz da Alta Estremadura - Leiria / Marinha Grande
de 24 de Setembro a 9 de Outubro, 2004
Leiria - Sexta, 24 de Setembro. 22h.- Mercado de Sant’Ana – Centro Cultural
Maria João / Mário Laginha (Port) Maria João (voz) Mário Laginha (piano)
Leiria - Sábado, 25 de Setembro. 23h.- Castelo de Leiria
UBU – Quarteto de Saxofones (Port) José Menezes (sax tenor) Jorge Reis (sax soprano) Guto Lucena (sax alto) Hugo Gaito (sax baritono)
UBU – Quarteto de Saxofones (Port) José Menezes (sax tenor) Jorge Reis (sax soprano) Guto Lucena (sax alto) Hugo Gaito (sax baritono)
Leiria - Domingo, 26 de Setembro. 18h. – Mercado de Sant’Ana – Centro Cultural “OFJAE” (Port) Orquestra do Festival de Jazz da Alta Estremadura Direcção: Pedro Moreira
Leiria - Quinta, 30 de Setembro. 22h.- Mercado de Sant’Ana – Centro Cultural “GrandPianoramax » (SUIÇA) Leo Tardin (piano, minimoog, loops) Norbert Pfammatter (bateria, percussão)
Leiria - Quinta, 30 de Setembro. 22h.- Mercado de Sant’Ana – Centro Cultural
The Matt Renzi Trio (EUA) Matt Renzi (sax tenor) David Ambrosio (contrabaixo) Russ Meissner (bateria)
The Matt Renzi Trio (EUA) Matt Renzi (sax tenor) David Ambrosio (contrabaixo) Russ Meissner (bateria)
Leiria - Sexta, 1 de Outubro. 22h.- Sport Operário Marinhense
Carlos Bica “Azul” (Port/Ale/EUA) Frank Möbus (guitarra) Carlos Bica (contrabaixo) Jim Black (bateria)
Carlos Bica “Azul” (Port/Ale/EUA) Frank Möbus (guitarra) Carlos Bica (contrabaixo) Jim Black (bateria)
Leiria - Sábado, 2 de Outubro. 22h.- Mercado de Sant’Ana – Centro Cultural Jim Hall / Enrico Pieranunzi (EUA/Itá) Jim Hall (guitarra) Enrico Pieranunzi (piano)
Leiria - Segunda, 4 de Outubro. 22h.- Mercado de Sant’Ana – Centro Cultural Jazz Composers Collective (EUA) “The Herbie Nichols Project” Ron Horton (trompete) Michael Blake (sax tenor e soprano) Frank Kimbrough (piano) Ben Allison (contrabaixo) Michael Sarin (bateria)
Marinha Grande – Terça, 5 de Outubro. 18h. – Sport Operário Marinhense “AJMI” (Port) Atelier de Jazz e Música Improvisada (Orfeão de Leiria) Fausto Corneo (clarinete baixo) Jorge Esperança (guitarra) João Rodrigues (baixo) Joel Silva (bateria) Direcção: Carlos Barretto
Marinha Grande – Terça, 5 de Outubro. 19h. – Sport Operário Marinhense “OFJAE” (Port) Orquestra do Festival de Jazz da Alta Estremadura Direcção: Pedro Moreira Marinha Grande –
Quinta, 7 de Outubro. 22h. – Sport Operário Marinhense Paula Oliveira / João Paulo (Port) Paula Oliveira (voz) João Paulo Esteves da Silva (piano)
Marinha Grande – Sexta, 8 de Outubro. 22h. – Sport Operário Marinhense Trupe Vocal (Port) Fátima Serro, Susana Baldaque, Kiko (voz) Paulo Gomes (piano) José Lima (contrabaixo) Mário Teixeira (bateria)
Marinha Grande – Sábado, 9 de Outubro. 22h. – Sport Operário Marinhense
TGB - Carolino/Delgado/Frazão (Port) Sérgio Carolino (tuba) Mário Delgado (guitarra) Alexandre Frazão (bateria)
TGB - Carolino/Delgado/Frazão (Port) Sérgio Carolino (tuba) Mário Delgado (guitarra) Alexandre Frazão (bateria)
Concertos didácticos em escolas da região Sexteto do Hot Clube de Portugal Joao Moreira (trompete), Pedro Moreira (saxofones), Claus Nymark (trombone), Bruno Santos (guitarra), Bernardo Moreira (contrabaixo) e André S.Machado (bateria)
posted by eduardo chagas @ 19.9.04
18.9.04
Henry Grimes renascido
Conta o amigo Nuno Martins que está em curso um processo de investigação e recolha de documentação com vista à publicação de memorabilia sobre o renascido contrabaixista americano Henry Grimes.
Conduzida por Michael Fitzgerald, a pesquisa a decorrer resultará num livro a editar proximamente. Sugere-se uma consulta a página do grande contrabaixista.
posted by eduardo chagas
@ 18.9.04 Conduzida por Michael Fitzgerald, a pesquisa a decorrer resultará num livro a editar proximamente. Sugere-se uma consulta a página do grande contrabaixista.
Terceira Via
Por falar no «Village Voice», a edição de Junho passado insere um interessante ensaio de Francis Davis sobre uma corrente do jazz, a Third Stream, que assumiu a denominação que se diz ter sido cunhada por Guther Schuller nos anos 60. É a chamada «Terceira Via» do jazz, resultante da mistura deste com a música clássica, cuja influência vem desde os primórdios do género (scott Joplin, Jelly Roll Morton), mantendo-se viva nos dias de hoje. A ler.
posted by eduardo chagas
@ 18.9.04
NYC Jazz Report
Para quem visita Nova Iorque por estes dias, fundamental é levar consigo o guia sobre o que em cada momento se passa em Nova Iorque. Não tem tudo, mas tem muito do essencial.
posted by eduardo chagas @ 18.9.04
posted by eduardo chagas @ 18.9.04
Ainda a tempo: «JAZZ EM AGOSTO 2004» – Uma Revisão
A programação do Jazz em Agosto (JeA), o festival que tem como imagem de marca ser, desde há 20 anos, o mais vanguardista dos festivais de jazz realizados em Portugal, organizado pelo Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian, apostou em 2004 na diversidade geográfica quanto à origem dos músicos e formações. Com forte predominância de nomes canadianos, em particular da activa mas pouco conhecida cena de Vancouver, com incursões pela Europa (Viena, Oslo, Estocolmo, Berlim, Lisboa e Valência), e pela capital japonesa, o cartaz deste ano propunha no total uma dúzia de concertos, a decorrer em 6 dias, e prometia apresentar uma panorâmica das tendências e vertentes diversas do jazz e da música improvisada electroacústica da actualidade. Jazz em sentido amplo, por outras palavras.
Aposta forte, portanto, e tanto maior ela era à partida, se se considerarem alguns factores condicionantes, designadamente o facto de os ventos não correrem de feição à montagem de um festival com tantos nomes sonantes, em formatos tão díspares, do solo à grande orquestra, com este último a bisar na abertura e no encerramento do certame. Refira-se que, este ano, o JeA reincidiu na utilização do anfiteatro ao ar livre, no que isso tem de bom – desfrutar da música em espaço aberto, no jardim da Fundação, em noites amenas –, e de mau – o ruído dos aviões, algum vento e a menor qualidade acústica, que penalizam inexoravelmente as formações de maior pendor camerístico.
Mas se a quantidade e a qualidade antevistas constituíam à partida um atractivo seguro e perspectivavam tardes e noites de grande música improvisada, os resultados não espelharam com fidelidade as expectativas que se criaram; nalguns casos estiveram bastante aquém do que se viu ou ouviu recentemente, e noutros ainda foram mesmo decepcionantes. Por outras palavras, além do ecletismo estético, tivemos também a maior diversidade qualitativa, que cobriu o vasto espectro que vai da sensaboria à excelência.
Do fim para o princípio, ou por outra, numa escala crescente de agradabilidade, o último lugar da classificação vai inteirinho e muito justamente para a formação austríaca que nos chegou de Viena, a Franz Hautzinger Regenorchester XI. Anunciada como a revelação do festival de Saafelden, Áustria, em 2003, a Franz Hautzinger Regenorchester XI estatelou-se ao comprido. Nem a inclusão de Christian Fennesz, considerado um dos magos da electrónica contemporânea, ou do frenético e cansativo baixista Luc Ex (membro do colectivo pós-punk holandês, The Ex), salvaram a nau da enorme tormenta em que se viu e se deixou afundar. Nada se salvou de uma actuação sem rumo, musicalmente frouxa e aborrecida. Raramente se ouviu qualquer coisa que escapasse ao lugar comum e à mastigação de uma estética ultra-convencional e parada no tempo, circa anos 80, justamente no ponto em que Miles Davis a tinha depositado, jacente e moribunda. Em lugar de a deixar dormir o sono dos justos, Franz Hautzinger resolveu recuperá-la e sacudir-lhe o pó, à força de a modernizar. Resultado: seis músicos desconexos em palco, a tocar Miles Davis de quinta categoria, ou seja, um jazz?rock serôdio e sem interesse musical, nem mesmo arqueológico. Uma ida até ao bar surgiu como a bóia mais à mão, facto que não impediu o sentimento de frustração, partilhado com outros circunstantes, que procuravam no amargo da cerveja um antídoto para o outro amargo de boca que teimava em persistir. Fui para casa ouvir música.
O segundo lugar a contar do fim coube ao François Houle Electro Acoustic Quartet. Do Canadá para Lisboa, François Houle e o seu quarteto aterraram no jardim da Fundação Gulbenkian em noite estrelada. Céu azul, que se foi tornando progressivamente enevoado e ameaçador, muito por causa da massa sonora que compunha indigesto pastelão confeccionado em directo. É certo que Houle possui um som límpido e muito agradável ao ouvido; que Ron Samworth toca guitarra com saber, delicadeza e bom gosto; que Chris Tarry é um contrabaixista competente; que Dylan van der Schyff é um primor de sensibilidade na percussão. Mas em conjunto não funcionaram ou fizeram-no muito raramente, numa apreciação mais benévola. O líder, em vez de se dedicar ao que bem sabe fazer, que é tocar clarinete, optou por se ligar à máquina e toca a deitar cá para fora sequências intermináveis de loops e delays já muito ouvidos noutros contextos, criando subidas e descidas inconsequentes, numa paisagem com vista para lado nenhum. O resto da banda ia atrás, tentando acompanhar a única pessoa que naquela noite parecia divertir-se com as “maravilhas” da tecnologia recém?descoberta. Pessoalmente, esperava bastante mais deste François Houle Electro Acoustic Quartet. Só a muito custo me deixei ficar até muito perto do estertor final, que ameaçava nunca mais chegar.
Arve Henriksen, trompetista norueguês, deu um recital de trompete solo natural e com processamento por via electrónica, alternando com voz e flauta tradicional norueguesa. Dada a relevante participação que Henriksen detém na formação de electro-improv Supersilent, esperava talvez algo esteticamente próximo. Não foi isso que aconteceu. Sozinho em palco, Arve surpreendeu simultaneamente pela positiva e pela negativa. A seu favor, teve o timbre límpido e fortemente vocalizado que sacou da sua trompete, a par das interessantes improvisações que construiu, privilegiando os tons orientalistas, a sugerir uma forte inspiração na música japonesa. O aspecto menos abonatório da prestação de Henriksen, além das inconvenientes referências à sua vida familiar entretanto destroçada, esteve no uso e abuso que fez do falsete vocal, processado electronicamente e/ou misturado com outros sons vocais e loops electrónicos. A isto acrescentou sucessivas camadas sobrepostas de sons samplados de trompete, de forma a criar o que resultou num pastiche excessivamente pesado, à força de nele querer incluir tantos e tão díspares ingredientes sonoros. Um concerto desequilibrado de um músico sensível e habitualmente inspirado, possuidor de um som original em trompete.
A Peggy Lee Band, como eu receava, veio a ser fortemente penalizada pelo local da actuação. A música delicada, cheia de pequenas nuances e pormenores de filigrana, como a que a violoncelista canadiana compõe e executa, requer um ambiente intimista, de maior concentração espacial; nunca um anfiteatro ao ar livre, jamais em noite de vento como a que lhe coube em sorte. Mesmo assim, casando bem composição e improvisação, cruzando géneros como a folk, o rock e a composição contemporânea, a banda de Peggy, apesar de alguma falta de força anímica que percorreu todo o espectáculo, acabou por confirmar a boa impressão deixada na audição dos discos gravados para a Spool Records. Foi pena ter sido mal tratada pela imensidão do espaço envolvente e pelo sobrevoar cadenciado dos aviões; contudo, e apesar das circunstâncias adversas, o que se ouviu naquela noite foi agradável, escorreito e honesto, sem contudo entusiasmar por aí além.
Paul Cram Orchestra, nome que desconhecia em absoluto, caiu-me razoavelmente bem. Nada de fazer levantar os pés do chão, devo dizer. Cram é músico de boa escrita e melhor arranjo, embora por vezes encha a música com um excessiva carga ornamental e constantes piscadelas de olho a Nino Rota e às influências da música italiana e argentina. Isto, somado a alguma falta de rasgo e ao som porventura demasiado arredondado da orquestra, impediu Paul Cram de fazer melhor e de conseguir a apoteose, o “fechar com chave de ouro” que se esperava do concerto de encerramento da edição comemorativa dos 20 anos do primeiro “Jazz em Agosto”. De qualquer modo, no cômputo geral foram os aspectos positivos suplantaram os negativos, ou seja, o concerto soube bem mas soube a pouco. Porque a Paul Cram Orchestra, embora recheada de bons elementos a nível individual, quase se limitou a improvisar à vista e a cumprir, escorreitinha, com o que vinha escrito na partitura.
O guitarrista português Nuno Ferreira e o saxofonista tenor espanhol Jesús Santandreu apresentaram-se em público pela primeira vez em duo e deram um bom concerto. Partilhando o gosto pela electrónica e electroacústica, Ferreira e Santandreu percorreram um repertório de composições originais, a que acrescentaram momentos de improvisação livre, num todo coeso e esteticamente coerente. Exibindo um discurso fluido, o duo ibérico constituiu uma agradável surpresa. Tocaram música feita de composições fortes e bem estruturadas. Improvisaram bem, sem cair em exibicionismos gratuitos ou exageros formais, tudo muito simples, directo, imediato e feito com entusiasmo. Além do mais, mostraram ter o trabalho de casa bem feito, a tempo e horas. A utilização da electrónica, perfeitamente integrada no discurso musical, resultou numa mais-valia que muito acrescentou à exploração das composições.
Otomo Yoshihide e Martin Tétreault deram uma das mais estimulantes exibições do JeA/2004. Sentados cada um à frente do seu gira?discos e armados da respectiva e complementar colecção de aparelhos electrónicos, o duo exercitou-se largamente na produção de som do tipo “faça?você?mesmo”, naquele que foi o concerto mais heterodoxo desta edição do Jazz em Agosto. Pratos a rodar, electrónica a soar, mas tudo muito diferente do que, com os mesmos ou parte daqueles materiais, costumam fazer os comuns “DJ´s”. Em lugar dos habituais discos de vinil e misturas, Otomo e Martin armaram-se de elásticos, pratos, ventoinhas e de diversas superfícies mais ou menos planas, como folhas de estanho, plástico e outros artefactos, que colocavam a rodar e sobre as quais iam sobrepondo objectos de pequena dimensão, como moedas e outros que não consegui identificar. Mas que nada importa, porque o que interessava realmente era assistir ao trabalhar da matéria-prima e com ela criar belas e estranhas esculturas sonoras, sem jamais cair no lugar comum ou na repetição entediante. Um bom concerto de turntablism e noise improv, em que os únicos a sofrer, para além dos espectadores não sintonizados com este tipo de estética pós-cageana, foram os pobres pick-ups, sujeitos a sevícias e tratos de polé que nem aos mais tortuosos esbirros da Inquisição haveriam de ocorrer, para gáudio de muitos, e eventual horror de alguns puristas daquele suporte.
Paul Plimley e Lisle Ellis deram um bom recital de piano e contrabaixo, apesar das persistentes dificuldades técnicas que o segundo experimentou com a amplificação do instrumento. Não sei se era da afinação, se da amplificação, o certo é que Ellis soou sempre muito seco e com pouco volume. Mesmo padecendo destas pequenas contrariedades, que ajudaram a alguma desconcentração do lado de lá e do lado de cá, foi um prazer ouvi-los de fio a pavio. A interacção entre estes dois grandes improvisadores esteve sempre em alto nível. A música fluiu com naturalidade, tratasse-se da recriação de standards ou de composições originais, colectivas ou individuais, umas e outras foram reformuladas de maneira tal, que se tornava virtualmente impossível acompanhar a continuidade de uma linha melódica, de tão fragmentadas e intercaladas se apresentavam. Na prática, voluntária ou involuntariamente, este último aspecto tornou-se num desafio interessante que a dupla jogou com o público. Em suma, foi um concerto agradável de seguir, que, sem pretender ser inovador ou sequer arrojado, teve o mérito de conduzir a assistência por territórios estéticos de bom gosto e sensibilidade impressionista.
Mats Gustafsson tem sido, nos últimos anos, visita assídua do JeA. Se me não falha a memória, esteve consecutivamente presente nas mais recentes edições, sempre integrado em formações diferentes. Primeiro, com o Aaly Trio, nesse ano acrescentado de Ken Vandermark, naquele que foi um dos melhores concertos e um dos pontos mais altos de toda a história dos já consideráveis 20 anos de JeA; depois, com a bailarina Lotta Melin; e ainda integrado na Big Band de Barry Guy, a esfusiante New Orchestra. Finalmente, com o trio schnapps The Thing, aparição a que acresce uma outra no quinteto de jazz do japonês Otomo Yoshihide. Mas, quanto a este último, já lá vamos. The Thing: Mats Gustafsson, Ingebrigt Håker Flaten e Paal Nilssen-Love… . Desta “Coisa” apenas conhecia uma prova material homónima, datada de 2000, publicada pela editora nórdica Crazy Wisdom. E aqui tivémos mais uma prova de que Mats Gustafsson é um dos principais cabecilhas escandinavos do que se pode apelidar de movimento de redefinição da música improvisada europeia. Da sua iniciativa têm partido um muito razoável número de grupos, a maioria deles filiada numa estética de um free jazz bravíssimo, um híbrido que resulta da síntese pós-ayleriana e pós?coltraneana, com elementos diversos das escolas improvisação europeia. É o caso particular deste The Thing, animal que deixa chegar perto mas não admite que se lhe afague o pêlo. Potente, The Thing, para gozo deste escriba, tocou um free jazz do tipo mais ardente, vigoroso e capaz de arrebatar uma audiência, por completo rendida aos encantos da brutal avalanche sonora que quase devastou o Auditório 2 da circunspecta Fundação. Fosse em tenor ou barítono, Gustafsson e seus sequazes noruegueses, com os quais se entende na melhor das cumplicidades, deram uma autêntica sova musical à assistência. E já era merecida, por esta altura. The Thing, literalmente um power trio com a pujança que se esperava, foi o momento mais tórrido e incandescente do festival. Uma actuação memorável.
Quem conhece razoavelmente o que se tem passado no jazz dos últimos 30 anos, sabe a importância que no género possui o nome de George Lewis, como trombonista, compositor, arranjador. Também lhe são reconhecidos assinaláveis créditos como pedagogo, académico, investigador sonoro, e, desde há mais de 30 anos, membro activo da Association for the Advancement of Creative Musicians. Ver o seu nome figurar associado a uma qualquer formação musical será sempre motivo para despertar a curiosidade e a atenção do jazzófilo comum; mais ainda quando se trate da NOW Orchestra, uma das orquestras mais importantes da chamada música criativa improvisada que se faz em Vancouver, na costa Oeste do Canadá. A NOW engloba nomes do que de melhor se pode encontrar na difícil disciplina do grande colectivo, na linha de outras congéneres, como a New Orchestra de Barry Guy, ele próprio um colaborador da NOW, tal como o foram René Lussier, Butch Morris, Marilyn Crispell e Wadada Leo Smith. Para apresentar ao público do JeA, a NOW trouxe consigo peças de longa duração, formalmente estruturadas em secções. Confesso que antes do início das operações, ainda a frio, receei o aborrecimento, mas, longe do tédio, o concerto, na sua globalidade, foi incrivelmente leve e capaz de induzir constantes efeitos de surpresa, de modo a prender a atenção do ouvinte durante as quase duas horas de espectáculo. A Now Orchestra mostrou ser uma big band de enorme plasticidade sonora, formatada ao gosto estético de George Lewis – mesmo quando bem conduzida pelo primeiro saxofonista, Coat Cook –, que improvisou colectivamente como se fosse uma hidra de muitas cabeças, todas elas com muito para dizer. Foi só fechar os olhos e deixar-me levar pela grande arte da big band. A abrir o festival, um enorme rio de música desaguou no Grande Auditório, para delícia de uma plateia tomada pelo encantamento.
Finalmente, entre os melhores, uma palavra para aquele que foi o melhor concerto do JeA de 2004: Otomo Yoshihide New Jazz Quintet, grupo assim designado desde a sua estreia em 1999, quando incluía o saxofonista tenor Naruyoshi Kikuchi, presente ao tempo da gravação de Flutter. Com a saída deste em Fevereiro último, Otomo resolveu convidar o alemão Alfred Harth para ocupar aquela cadeira, mantendo embora a titularidade flexível. É nesse contexto que vimos Mats Gustafsson no lugar de Harth. Uma escolha eventualmente mais apta a conferir ao som do quinteto uma qualidade porventura mais abrasiva, histriónica e de maior espectacularidade cénica, reforçada por alguma tendência de Gustafsson para a sobreexposição, que desta vez ficou à porta. O OYNJQ toca free jazz actual com reminiscências dos anos 60, altura em que a cena japonesa seguia atentamente o que se passava nos EUA e já era, por conseguinte, bastante activa. Partilhando desse espírito free, que evoluiu até aos nossos dias, o quinteto tomou em mãos composições do cancioneiro do jazz moderno, como Song for Che, de Charlie Haden, seguindo por temas Dolphy, Mingus, e Ornette, aos quais soprou vida nova em directo para quem quis testemunhar o que realmente é a arte da transformação e da transfiguração sonora. Porque, mesmo não conhecendo a paternidade dos temas, jamais alguém ficaria com a sensação de que estava a ouvir versões de free jazz classics, pela forma homogénea em que processou a fusão de todos os materiais. Arranjos incríveis, solos endiabrados, efeitos de surpresa a espreitar em cada esquina, curvas e contra-curvas, o OYNJQ foi capaz de empolgar a assistência, particularmente quando abordou de forma sensível e comovente «Eureka», tema repassado de melancolia, de Jim O’Rourke, com o qual fechou o mais transcendente dos concertos.Uma última nota para referir o único concerto a que não assisti, o de Günter ‘Baby’ Sommer, percussionista alemão que vem da revolucionária década de 60 do século passado.
Precisei de uma tarde de sábado livre e, atentas as possibilidades, resolvi sacrificar o solo de percussão. “Nem sabes o que perdeste” – disseram?me uns, para quem este foi um dos melhores concertos do evento, uma brilhante lição de percussão, etc. “Ainda bem que não vieste” – ouvi de outros, para quem o solo de ‘Baby’ mais não foi que uma exibição circense de um grande artista que desenhou o espectáculo de forma a captar a atenção de promotores de concertos e festivais, e assim ganhar a vida de terra em terra. Vá-se lá saber…
Independentemente do gosto pessoal de cada um, o nível artístico do JeA /2004 foi relativamente pouco homogéneo, com desempenhos de muito bom nível, excelente, mesmo; outros razoáveis, e alguns claramente abaixo das credenciais exibidas. Globalmente, no entanto, o balanço é francamente positivo, embora fique aquém das mais exigentes expectativas, quando passam 20 anos sobre a primeira edição do evento que, pelo peso da oferta internacional, tem mostrado ser um dos mais importantes festivais de jazz e música improvisada da Europa.
Escrito ao som de «Bloor», John Oswald/David Prentice/Dominic Duval (CIMP, 2000).
posted by eduardo chagas
@ 18.9.04 Aposta forte, portanto, e tanto maior ela era à partida, se se considerarem alguns factores condicionantes, designadamente o facto de os ventos não correrem de feição à montagem de um festival com tantos nomes sonantes, em formatos tão díspares, do solo à grande orquestra, com este último a bisar na abertura e no encerramento do certame. Refira-se que, este ano, o JeA reincidiu na utilização do anfiteatro ao ar livre, no que isso tem de bom – desfrutar da música em espaço aberto, no jardim da Fundação, em noites amenas –, e de mau – o ruído dos aviões, algum vento e a menor qualidade acústica, que penalizam inexoravelmente as formações de maior pendor camerístico.
Mas se a quantidade e a qualidade antevistas constituíam à partida um atractivo seguro e perspectivavam tardes e noites de grande música improvisada, os resultados não espelharam com fidelidade as expectativas que se criaram; nalguns casos estiveram bastante aquém do que se viu ou ouviu recentemente, e noutros ainda foram mesmo decepcionantes. Por outras palavras, além do ecletismo estético, tivemos também a maior diversidade qualitativa, que cobriu o vasto espectro que vai da sensaboria à excelência.
Do fim para o princípio, ou por outra, numa escala crescente de agradabilidade, o último lugar da classificação vai inteirinho e muito justamente para a formação austríaca que nos chegou de Viena, a Franz Hautzinger Regenorchester XI. Anunciada como a revelação do festival de Saafelden, Áustria, em 2003, a Franz Hautzinger Regenorchester XI estatelou-se ao comprido. Nem a inclusão de Christian Fennesz, considerado um dos magos da electrónica contemporânea, ou do frenético e cansativo baixista Luc Ex (membro do colectivo pós-punk holandês, The Ex), salvaram a nau da enorme tormenta em que se viu e se deixou afundar. Nada se salvou de uma actuação sem rumo, musicalmente frouxa e aborrecida. Raramente se ouviu qualquer coisa que escapasse ao lugar comum e à mastigação de uma estética ultra-convencional e parada no tempo, circa anos 80, justamente no ponto em que Miles Davis a tinha depositado, jacente e moribunda. Em lugar de a deixar dormir o sono dos justos, Franz Hautzinger resolveu recuperá-la e sacudir-lhe o pó, à força de a modernizar. Resultado: seis músicos desconexos em palco, a tocar Miles Davis de quinta categoria, ou seja, um jazz?rock serôdio e sem interesse musical, nem mesmo arqueológico. Uma ida até ao bar surgiu como a bóia mais à mão, facto que não impediu o sentimento de frustração, partilhado com outros circunstantes, que procuravam no amargo da cerveja um antídoto para o outro amargo de boca que teimava em persistir. Fui para casa ouvir música.
O segundo lugar a contar do fim coube ao François Houle Electro Acoustic Quartet. Do Canadá para Lisboa, François Houle e o seu quarteto aterraram no jardim da Fundação Gulbenkian em noite estrelada. Céu azul, que se foi tornando progressivamente enevoado e ameaçador, muito por causa da massa sonora que compunha indigesto pastelão confeccionado em directo. É certo que Houle possui um som límpido e muito agradável ao ouvido; que Ron Samworth toca guitarra com saber, delicadeza e bom gosto; que Chris Tarry é um contrabaixista competente; que Dylan van der Schyff é um primor de sensibilidade na percussão. Mas em conjunto não funcionaram ou fizeram-no muito raramente, numa apreciação mais benévola. O líder, em vez de se dedicar ao que bem sabe fazer, que é tocar clarinete, optou por se ligar à máquina e toca a deitar cá para fora sequências intermináveis de loops e delays já muito ouvidos noutros contextos, criando subidas e descidas inconsequentes, numa paisagem com vista para lado nenhum. O resto da banda ia atrás, tentando acompanhar a única pessoa que naquela noite parecia divertir-se com as “maravilhas” da tecnologia recém?descoberta. Pessoalmente, esperava bastante mais deste François Houle Electro Acoustic Quartet. Só a muito custo me deixei ficar até muito perto do estertor final, que ameaçava nunca mais chegar.
Arve Henriksen, trompetista norueguês, deu um recital de trompete solo natural e com processamento por via electrónica, alternando com voz e flauta tradicional norueguesa. Dada a relevante participação que Henriksen detém na formação de electro-improv Supersilent, esperava talvez algo esteticamente próximo. Não foi isso que aconteceu. Sozinho em palco, Arve surpreendeu simultaneamente pela positiva e pela negativa. A seu favor, teve o timbre límpido e fortemente vocalizado que sacou da sua trompete, a par das interessantes improvisações que construiu, privilegiando os tons orientalistas, a sugerir uma forte inspiração na música japonesa. O aspecto menos abonatório da prestação de Henriksen, além das inconvenientes referências à sua vida familiar entretanto destroçada, esteve no uso e abuso que fez do falsete vocal, processado electronicamente e/ou misturado com outros sons vocais e loops electrónicos. A isto acrescentou sucessivas camadas sobrepostas de sons samplados de trompete, de forma a criar o que resultou num pastiche excessivamente pesado, à força de nele querer incluir tantos e tão díspares ingredientes sonoros. Um concerto desequilibrado de um músico sensível e habitualmente inspirado, possuidor de um som original em trompete.
A Peggy Lee Band, como eu receava, veio a ser fortemente penalizada pelo local da actuação. A música delicada, cheia de pequenas nuances e pormenores de filigrana, como a que a violoncelista canadiana compõe e executa, requer um ambiente intimista, de maior concentração espacial; nunca um anfiteatro ao ar livre, jamais em noite de vento como a que lhe coube em sorte. Mesmo assim, casando bem composição e improvisação, cruzando géneros como a folk, o rock e a composição contemporânea, a banda de Peggy, apesar de alguma falta de força anímica que percorreu todo o espectáculo, acabou por confirmar a boa impressão deixada na audição dos discos gravados para a Spool Records. Foi pena ter sido mal tratada pela imensidão do espaço envolvente e pelo sobrevoar cadenciado dos aviões; contudo, e apesar das circunstâncias adversas, o que se ouviu naquela noite foi agradável, escorreito e honesto, sem contudo entusiasmar por aí além.
Paul Cram Orchestra, nome que desconhecia em absoluto, caiu-me razoavelmente bem. Nada de fazer levantar os pés do chão, devo dizer. Cram é músico de boa escrita e melhor arranjo, embora por vezes encha a música com um excessiva carga ornamental e constantes piscadelas de olho a Nino Rota e às influências da música italiana e argentina. Isto, somado a alguma falta de rasgo e ao som porventura demasiado arredondado da orquestra, impediu Paul Cram de fazer melhor e de conseguir a apoteose, o “fechar com chave de ouro” que se esperava do concerto de encerramento da edição comemorativa dos 20 anos do primeiro “Jazz em Agosto”. De qualquer modo, no cômputo geral foram os aspectos positivos suplantaram os negativos, ou seja, o concerto soube bem mas soube a pouco. Porque a Paul Cram Orchestra, embora recheada de bons elementos a nível individual, quase se limitou a improvisar à vista e a cumprir, escorreitinha, com o que vinha escrito na partitura.
O guitarrista português Nuno Ferreira e o saxofonista tenor espanhol Jesús Santandreu apresentaram-se em público pela primeira vez em duo e deram um bom concerto. Partilhando o gosto pela electrónica e electroacústica, Ferreira e Santandreu percorreram um repertório de composições originais, a que acrescentaram momentos de improvisação livre, num todo coeso e esteticamente coerente. Exibindo um discurso fluido, o duo ibérico constituiu uma agradável surpresa. Tocaram música feita de composições fortes e bem estruturadas. Improvisaram bem, sem cair em exibicionismos gratuitos ou exageros formais, tudo muito simples, directo, imediato e feito com entusiasmo. Além do mais, mostraram ter o trabalho de casa bem feito, a tempo e horas. A utilização da electrónica, perfeitamente integrada no discurso musical, resultou numa mais-valia que muito acrescentou à exploração das composições.
Otomo Yoshihide e Martin Tétreault deram uma das mais estimulantes exibições do JeA/2004. Sentados cada um à frente do seu gira?discos e armados da respectiva e complementar colecção de aparelhos electrónicos, o duo exercitou-se largamente na produção de som do tipo “faça?você?mesmo”, naquele que foi o concerto mais heterodoxo desta edição do Jazz em Agosto. Pratos a rodar, electrónica a soar, mas tudo muito diferente do que, com os mesmos ou parte daqueles materiais, costumam fazer os comuns “DJ´s”. Em lugar dos habituais discos de vinil e misturas, Otomo e Martin armaram-se de elásticos, pratos, ventoinhas e de diversas superfícies mais ou menos planas, como folhas de estanho, plástico e outros artefactos, que colocavam a rodar e sobre as quais iam sobrepondo objectos de pequena dimensão, como moedas e outros que não consegui identificar. Mas que nada importa, porque o que interessava realmente era assistir ao trabalhar da matéria-prima e com ela criar belas e estranhas esculturas sonoras, sem jamais cair no lugar comum ou na repetição entediante. Um bom concerto de turntablism e noise improv, em que os únicos a sofrer, para além dos espectadores não sintonizados com este tipo de estética pós-cageana, foram os pobres pick-ups, sujeitos a sevícias e tratos de polé que nem aos mais tortuosos esbirros da Inquisição haveriam de ocorrer, para gáudio de muitos, e eventual horror de alguns puristas daquele suporte.
Paul Plimley e Lisle Ellis deram um bom recital de piano e contrabaixo, apesar das persistentes dificuldades técnicas que o segundo experimentou com a amplificação do instrumento. Não sei se era da afinação, se da amplificação, o certo é que Ellis soou sempre muito seco e com pouco volume. Mesmo padecendo destas pequenas contrariedades, que ajudaram a alguma desconcentração do lado de lá e do lado de cá, foi um prazer ouvi-los de fio a pavio. A interacção entre estes dois grandes improvisadores esteve sempre em alto nível. A música fluiu com naturalidade, tratasse-se da recriação de standards ou de composições originais, colectivas ou individuais, umas e outras foram reformuladas de maneira tal, que se tornava virtualmente impossível acompanhar a continuidade de uma linha melódica, de tão fragmentadas e intercaladas se apresentavam. Na prática, voluntária ou involuntariamente, este último aspecto tornou-se num desafio interessante que a dupla jogou com o público. Em suma, foi um concerto agradável de seguir, que, sem pretender ser inovador ou sequer arrojado, teve o mérito de conduzir a assistência por territórios estéticos de bom gosto e sensibilidade impressionista.
Mats Gustafsson tem sido, nos últimos anos, visita assídua do JeA. Se me não falha a memória, esteve consecutivamente presente nas mais recentes edições, sempre integrado em formações diferentes. Primeiro, com o Aaly Trio, nesse ano acrescentado de Ken Vandermark, naquele que foi um dos melhores concertos e um dos pontos mais altos de toda a história dos já consideráveis 20 anos de JeA; depois, com a bailarina Lotta Melin; e ainda integrado na Big Band de Barry Guy, a esfusiante New Orchestra. Finalmente, com o trio schnapps The Thing, aparição a que acresce uma outra no quinteto de jazz do japonês Otomo Yoshihide. Mas, quanto a este último, já lá vamos. The Thing: Mats Gustafsson, Ingebrigt Håker Flaten e Paal Nilssen-Love… . Desta “Coisa” apenas conhecia uma prova material homónima, datada de 2000, publicada pela editora nórdica Crazy Wisdom. E aqui tivémos mais uma prova de que Mats Gustafsson é um dos principais cabecilhas escandinavos do que se pode apelidar de movimento de redefinição da música improvisada europeia. Da sua iniciativa têm partido um muito razoável número de grupos, a maioria deles filiada numa estética de um free jazz bravíssimo, um híbrido que resulta da síntese pós-ayleriana e pós?coltraneana, com elementos diversos das escolas improvisação europeia. É o caso particular deste The Thing, animal que deixa chegar perto mas não admite que se lhe afague o pêlo. Potente, The Thing, para gozo deste escriba, tocou um free jazz do tipo mais ardente, vigoroso e capaz de arrebatar uma audiência, por completo rendida aos encantos da brutal avalanche sonora que quase devastou o Auditório 2 da circunspecta Fundação. Fosse em tenor ou barítono, Gustafsson e seus sequazes noruegueses, com os quais se entende na melhor das cumplicidades, deram uma autêntica sova musical à assistência. E já era merecida, por esta altura. The Thing, literalmente um power trio com a pujança que se esperava, foi o momento mais tórrido e incandescente do festival. Uma actuação memorável.
Quem conhece razoavelmente o que se tem passado no jazz dos últimos 30 anos, sabe a importância que no género possui o nome de George Lewis, como trombonista, compositor, arranjador. Também lhe são reconhecidos assinaláveis créditos como pedagogo, académico, investigador sonoro, e, desde há mais de 30 anos, membro activo da Association for the Advancement of Creative Musicians. Ver o seu nome figurar associado a uma qualquer formação musical será sempre motivo para despertar a curiosidade e a atenção do jazzófilo comum; mais ainda quando se trate da NOW Orchestra, uma das orquestras mais importantes da chamada música criativa improvisada que se faz em Vancouver, na costa Oeste do Canadá. A NOW engloba nomes do que de melhor se pode encontrar na difícil disciplina do grande colectivo, na linha de outras congéneres, como a New Orchestra de Barry Guy, ele próprio um colaborador da NOW, tal como o foram René Lussier, Butch Morris, Marilyn Crispell e Wadada Leo Smith. Para apresentar ao público do JeA, a NOW trouxe consigo peças de longa duração, formalmente estruturadas em secções. Confesso que antes do início das operações, ainda a frio, receei o aborrecimento, mas, longe do tédio, o concerto, na sua globalidade, foi incrivelmente leve e capaz de induzir constantes efeitos de surpresa, de modo a prender a atenção do ouvinte durante as quase duas horas de espectáculo. A Now Orchestra mostrou ser uma big band de enorme plasticidade sonora, formatada ao gosto estético de George Lewis – mesmo quando bem conduzida pelo primeiro saxofonista, Coat Cook –, que improvisou colectivamente como se fosse uma hidra de muitas cabeças, todas elas com muito para dizer. Foi só fechar os olhos e deixar-me levar pela grande arte da big band. A abrir o festival, um enorme rio de música desaguou no Grande Auditório, para delícia de uma plateia tomada pelo encantamento.
Finalmente, entre os melhores, uma palavra para aquele que foi o melhor concerto do JeA de 2004: Otomo Yoshihide New Jazz Quintet, grupo assim designado desde a sua estreia em 1999, quando incluía o saxofonista tenor Naruyoshi Kikuchi, presente ao tempo da gravação de Flutter. Com a saída deste em Fevereiro último, Otomo resolveu convidar o alemão Alfred Harth para ocupar aquela cadeira, mantendo embora a titularidade flexível. É nesse contexto que vimos Mats Gustafsson no lugar de Harth. Uma escolha eventualmente mais apta a conferir ao som do quinteto uma qualidade porventura mais abrasiva, histriónica e de maior espectacularidade cénica, reforçada por alguma tendência de Gustafsson para a sobreexposição, que desta vez ficou à porta. O OYNJQ toca free jazz actual com reminiscências dos anos 60, altura em que a cena japonesa seguia atentamente o que se passava nos EUA e já era, por conseguinte, bastante activa. Partilhando desse espírito free, que evoluiu até aos nossos dias, o quinteto tomou em mãos composições do cancioneiro do jazz moderno, como Song for Che, de Charlie Haden, seguindo por temas Dolphy, Mingus, e Ornette, aos quais soprou vida nova em directo para quem quis testemunhar o que realmente é a arte da transformação e da transfiguração sonora. Porque, mesmo não conhecendo a paternidade dos temas, jamais alguém ficaria com a sensação de que estava a ouvir versões de free jazz classics, pela forma homogénea em que processou a fusão de todos os materiais. Arranjos incríveis, solos endiabrados, efeitos de surpresa a espreitar em cada esquina, curvas e contra-curvas, o OYNJQ foi capaz de empolgar a assistência, particularmente quando abordou de forma sensível e comovente «Eureka», tema repassado de melancolia, de Jim O’Rourke, com o qual fechou o mais transcendente dos concertos.Uma última nota para referir o único concerto a que não assisti, o de Günter ‘Baby’ Sommer, percussionista alemão que vem da revolucionária década de 60 do século passado.
Precisei de uma tarde de sábado livre e, atentas as possibilidades, resolvi sacrificar o solo de percussão. “Nem sabes o que perdeste” – disseram?me uns, para quem este foi um dos melhores concertos do evento, uma brilhante lição de percussão, etc. “Ainda bem que não vieste” – ouvi de outros, para quem o solo de ‘Baby’ mais não foi que uma exibição circense de um grande artista que desenhou o espectáculo de forma a captar a atenção de promotores de concertos e festivais, e assim ganhar a vida de terra em terra. Vá-se lá saber…
Independentemente do gosto pessoal de cada um, o nível artístico do JeA /2004 foi relativamente pouco homogéneo, com desempenhos de muito bom nível, excelente, mesmo; outros razoáveis, e alguns claramente abaixo das credenciais exibidas. Globalmente, no entanto, o balanço é francamente positivo, embora fique aquém das mais exigentes expectativas, quando passam 20 anos sobre a primeira edição do evento que, pelo peso da oferta internacional, tem mostrado ser um dos mais importantes festivais de jazz e música improvisada da Europa.
Escrito ao som de «Bloor», John Oswald/David Prentice/Dominic Duval (CIMP, 2000).
Sun Ra
À sombra de Ra, Sun, está-se bem.
De Saturno vem o espírito e a inspiração.
posted by eduardo chagas @ 18.9.04
À sombra de Ra, Sun, está-se bem.
De Saturno vem o espírito e a inspiração.
posted by eduardo chagas @ 18.9.04
